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Bajos Acústicos (Kontakt-Mega)

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(4 Pasos) Ajuste Correcto el nivel de señal de un micrófono.

4 Fáciles Pasos de como ajustar correctamente el nivel de señal de un micrófono. 

Uno de los problemas más comunes con los que se enfrenta la gente cuando quiere configurar o "setear" el nivel de señal de un micrófono es que fácilmente termina con una señal muy baja y con mucho ruido o muy alta y saturada: distorsionada.
El error se encuentra la mayoría de las veces en que se inicia moviendo la perilla equivocada para hacer este ajuste.
No me ocuparé de los aspectos técnicos que están detrás porque la idea es aportar una solución fácil de implementar si se sigue en el orden correcto y no sumergirnos en una serie de disertaciones técnicas que seguramente a muchos les resultará aburrida y no muy práctica.
Va pues el proceso correcto.

Supondremos que este ajuste lo haremos en una mezcladora, como las que se usan en vivo, y que iniciamos con el primer canal de los micrófonos a conectar y mezclar.
Para empezar es preferible que todos los canales están cerrados, inclusive el master, de esa manera sabremos desde el inicio qué estamos manejando. También sería bueno que el canal que se ajustará tenga deshabilitada la ecualización o que no exista alguna banda funcionando. Igualmente el control de panning que quede al centro.

Paso 1. Teniendo ya conectado el micrófono a la entrada del canal, ajustar el master de la mezcladora en la posición central llamada nivel nominal o ganancia unitaria (la raya horizontal que muchas veces indica 0).

Paso 2. Pedir a quien está generando la señal (locutor o cantante, por ejemplo) que comience a hablar o cantar al micrófono. Es muy importante, para tener un ajuste de señal más cercano a la realidad, pedirle que hable o cante al nivel o volumen con que lo hará en el momento de la ejecución, ya sea que estés en una sesión de grabación o una prueba de sonido para un evento en vivo. Esto evitará que la señal fácilmente se te sature ya que es común que cuando se les pide probar el micrófono lo hacen a un nivel mucho más bajo.

Paso 3. Ajustar el control de nivel del canal (fader) también a la posición nominal. Dependiendo del tipo de señal que estés microfoneando es probable que inclusive ni llegues a necesitar llegar hasta el nivel nominal del fader para tener un buen nivel porque puede que se trate de una señal original muy alta, como por ejemplo el bombo de una batería.

Paso 4. Sólo hasta este momento, y sólo hasta este momento, abrirás poco a poco el control de gain o trim del canal (es la perilla que en la mayoría de las mezcladoras se encuentra al inicio de la tira del canal o channel strip como se le llama en inglés). Este control te dará la preamplificación faltante para que tu señal tenga un buen nivel.

Al concluir con este canal pasas al siguiente, si es que son varios los canales de micrófono que piensas mezclar.

¿Qué beneficios tienes con este procedimiento?
-Pocas posibilidades de saturación y ruido.
-Lograr un sonido más natural ya que obtienes primero lo mejor del propio micrófono. La calidad del sonido no sólo mejorará en cada canal sino en toda la mezcla.
-Se reducen significativamente las posibilidades de retroalimentación (o feedback)
-Tendrás más margen de desplazamiento de cada fader ya que no sobreamplificarás la señal del micrófono desde el preamplificador (léase trim o gain) dejándote con el fader hasta abajo con sólo unos cuantos milímetros de libertad.

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8 trucos para mezclar sonidos de bajo

Asume estos consejos prácticos y no te equivocarás a la hora de mezclar tus sonidos de bajo…

1| →Deja en mono los subgraves, pues así mejora su definición y ganan potencia.Sobre todo, esto es cierto cuando planchas subgraves a vinilo. Si aplicas un efecto como chorus, que altera las relaciones de fase entre los canales izquierdo y derecho, podrías tener problemas para cortar el vinilo, provocando grooves que no encajen bien y generen saltos en la reproducción –por el contrario, a veces generan un patrón genial de referencia en la placa de copias.

2| →Recuerda que todavía te queda masterizar el tema, lo cual ajustará aún más su sonido, así que no mezcles el subgrave demasiado alto para que salte por los altavoces o acabará tragándose toda la amplitud dinámica disponible en la pista y la ahogará.

3| →El procesamiento de subgraves con amplis externos a válvulas ayuda a calentarlos, a crear armónicos y a comprimir un poco el sonido de una forma natural. Una distorsión demasiado intensa podría recortar los bordes de la onda sinusoidal, transformándola poco a poco en una onda cuadrada.Subgraves: fundamentos y consejos de producción

4| →¿Estás desatando una batalla entre bajo y bombo? Es recomendable evitar los solapamientos entre las gamas de frecuencias de bombo y bajo. No utilices un bombo con muchos subgraves, y trata de cubrir esa zona con un bajo. Aplica un filtro paso-alto a tu bombo para eliminar todo por debajo de 80Hz, y luego juega con la pendiente y el corte del filtro hasta encontrar el equilibrio óptimo que aporte pegada y claridad al bajo subgrave y al bombo. Si usas un bombo con muchos subgraves y un delay largo, como el de Roland TR-808, trata de evitar que el sinte subgrave caiga sobre los mismos golpes para que no colisionen.

5| →No ecualices el bajo con un filtro paramétrico de banda estrecha porque, cuanto más estrecha sea, más afectará a notas concretas de una escala. Es mejor utilizar EQs paramétricos de banda ancha y de barrido con pendientes suaves. Eso equilibra la respuesta del bajo y no causa un hoyo en el espectro de frecuencias.

6| →No te dejes engañar por tu sala –si no le has aplicado un tratamiento acústico y no estás situado en el punto ideal de escucha, es probable que algunas notas te salten a la cara y que otras suenen mucho más flojas. Esto es debido al “modo” de tu sala, el cual provoca la amplificación de algunas frecuencias y la cancelación de otras. La mejor solución es tratar la sala acústicamente, pero si no puedes permitírtelo, busca la posición óptima de escucha y no subas demasiado el nivel. A más volumen, tu sala coloreará más el sonido.Resuelve problemas habituales de acondicionamiento acústico

7| →Compara tu bajo con el de otro disco que suene bien; y compara también ese tema con el tuyo. Escucha con auriculares.

8| →Emplea un analizador espectral para ver cuánta actividad tiene la cola de graves. Revisa los dos sonidos de bajo (la línea y el subgrave) y la mezcla completa.

Como siempre, estaremos encantados de resolver cualquier duda o pregunta, además de leer vuestras aportaciones relacionadas con la producción de sonidos de bajo.

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(Video Tuto) Parámetros Ventana Inicio Rápido

En este Tutorial Explico cada parámetro de la ventana de inicio rápido del Daw Pro Tools HD10. teniendo en cuenta que cada plataforma de Audio requiere la misma configuración si queremos que nuestro sonido sea de una calidad Profesional. Espero les sea de ayuda.

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5 trucos para mejorar la acústica de tu salón sin gastar un centavo

Nuestro equipo de música o cine en casa puede sonar mejor. Mucho mejor. Y lo más increíble es que puede hacerlo sin necesidad de que introduzcamos ningún cambio en sus componentes. Curiosamente, la «culpa» de que nuestros equipos no rindan al 100% la tienen las condiciones acústicas de las salas en las que los hemos instalado.

Un exceso de materiales absorbentes, la aparición de ondas estacionarias o la presencia de resonadores «camuflados» suelen provocar que la escena sonora aparezca emborronada y menos nítida, perdiendo, por tanto, buena parte de su capacidad emotiva. Afortunadamente, podemos resolver en gran medida estos problemas actuando directamente sobre los elementos decorativos de la habitación, que son los que determinan las condiciones acústicas con las que nuestro equipo debe convivir.
El entorno, el principal componente de cualquier equipo de sonido

No estamos exagerando lo más mínimo. Muchos profesionales del mundo del audio consideran que la acústica de la habitación es igual o, si cabe, más importante que el propio equipo de sonido. Uno de altísima gama instalado en una habitación con una acústica desastrosa nos ofrecerá un sonido emborronado, sin matices, que, sin duda, dejará mucho que desear. Sin embargo, un equipo normal, de gama media, pero ubicado en una habitación con unas condiciones acústicas favorables puede rendir al 100%, proporcionándonos, incluso, una escena sonora más consistente que una instalación mucho más cara, pero con una acústica muy mejorable.

Los consejos que os proponemos son muy asequibles. Tanto que todos ellos pueden ser llevados a cabo recurriendo a los elementos decorativos que casi todos tenemos en casa. Y es que basta modificar la ubicación de algunos de ellos, o, sencillamente, cambiar sutilmente la decoración de nuestro salón, para conseguir que nuestro equipo se transforme y nos permita disfrutar mucho más tanto nuestra música como nuestras películas favoritas. Entremos en materia.

5 consejos sencillos, pero valiosos

1. Coloca una alfombra gruesa entre tus cajas acústicas y la posición de escucha. Muchos aficionados, sin saberlo, ya han mejorado la acústica de su sala, sencillamente, colocando una alfombra. Este objeto tiene la capacidad de absorber una parte de la energía de las ondas que inciden en su superficie. Esto es bueno porque, de esta forma, conseguiremos incrementar el tiempo que transcurre desde el momento en el que llegan a nuestras orejas las ondas directas que proceden de los altavoces, hasta que llegan las ondas reflejadas por el suelo, que, además, lo harán debilitadas. De esta forma, estas últimas no enmascararán las primeras, permitiendo a nuestro cerebro interpretar mejor las señales que recibe de nuestros oídos.

2. Cubre las ventanas y puertas de cristal con cortinas gruesas. Las superficies de cristal reflejan la mayor parte de las ondas de sonido que inciden en ellas, absorbiendo poca energía. Además, la que consiguen absorber provoca vibraciones, lo que les permite emitir su propio sonido, y, así, pueden ocultar una parte de las señales musicales que nos interesa preservar. Por esta razón, lo ideal es colocar unas cortinas delante tanto de las ventanas como de las puertas de cristal. Una cortina gruesa absorberá una parte de la energía de las ondas que «choquen» contra ella, y, además, las retardará, permitiendo, al igual que la alfombra, que nuestro cerebro discrimine mucho mejor el contenido musical.

3. Las librerías son nuestras mejores aliadas. La capacidad de absorción de energía de un mueble amplio cubierto de libros puede ser considerable. Si nuestro salón tiene muchos elementos reflectantes, como espejos o un suelo de gres, una librería puede ayudarnos a equilibrar las ondas reflejadas, absorbiendo una parte de su energía. Además, contribuye a «aislar» la habitación del exterior, reduciendo la intensidad de las ondas que consiguen escapar hacia fuera del habitáculo, y, así, conseguiremos molestar mucho menos a las personas que se encuentren fuera de la habitación tratada. Pero esto no es todo. Si nuestro salón es pequeño y nos hemos visto obligados a colocar nuestras cajas acústicas muy cerca de las paredes, las librerías conseguirán absorber eficazmente buena parte de las ondas secundarias (las que se reflejan en el suelo o las paredes), que, de otra forma, empobrecerían la calidad del sonido de nuestro equipo.

4. Si entre vuestras cajas acústicas y la posición de escucha tenéis colocado algún jarrón, valora la posibilidad de cambiarlo de ubicación. Estos elementos decorativos pueden comportarse como resonadores, lo que quiere decir que sufren oscilaciones mecánicas cuando inciden en ellos señales con una determinada longitud de onda. Por esta razón, pueden producir sonidos, desvirtuando así el contenido sonoro original. Y, si sois unos puristas, contemplad también la posibilidad de quitar cualquier objeto que pueda representar un obstáculo para las ondas que proceden de los altavoces en su viaje hasta vuestras orejas, como las mesas de centro y las sillas.

5. Las plantas, sin importar si son naturales o artificiales, se comportan de una forma muy similar a los paneles difusores de sonido. Cuando una onda sonora incide en ellas y choca con sus hojas, se descompone en ondas más pequeñas que, además, son reflejadas en múltiples direcciones. Esta cualidad nos viene de maravilla si nos vemos obligados a colocar nuestras cajas acústicas muy cerca de las paredes, pues, si intercalamos una planta de cierta envergadura entre el altavoz y la pared, conseguiremos controlar con mucha más precisión el retardo y la energía de las ondas reflejadas. Varias plantas estratégicamente colocadas pueden brindarnos la sensación acústica de que nuestra habitación tiene unas dimensiones mayores, pues nos pueden permitir incrementar el tiempo que transcurre entre la llegada a nuestro oído de las ondas directas y las reflejadas, lo que siempre resulta muy positivo.

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6 consejos para promocionar tu música en Internet

Hasta hace bien poco, sin la ayuda de una compañía discográfica era prácticamente imposible que tu música llegase a un público mucho más allá de tus amigos y conocidos. En la actualidad, gran cantidad de plataformas y servicios disponibles en Internet te permiten dar los primeros pasos a nivel global y de una forma relativamente económica e independiente.

No hay que olvidar que el objetivo seguirá siendo que alguna discográfica u oficina de management se fije en tu trayectoria. Pero hasta que llegue ese momento, los siguientes consejos y links pueden ayudarte a autoeditar, difundir y promocionar tu proyecto musical. Eso sí, ten en cuenta que lo relacionado con la fama, el éxito y el dinero ¡nos lo reservamos para otro Día!

1. Infórmate sobre la propiedad intelectual

Existen varios métodos para registrar tu obra y así disponer de una prueba legal en caso de plagio o uso indebido. Puedes optar por el método tradicional y registrar las partituras en el Registro de la Propiedad Intelectual o realizarlo de forma digital a través de una plataforma online como safecreative.org (te aconsejamos leer su sección de preguntas frecuentes).

2. Escoge la licencia musical para tu obra

Copyright: todos los derechos reservados. Tendrás que ceder el control sobre los derechos de explotación, transformación, distribución, redifusión o comunicación pública de TODAS TUS OBRAS a una sociedad de gestión (desafortunadamente suelen ser de carácter exclusivo). Ellos recaudarán el dinero que generen tus temas en concepto de “derechos de autor”, quedándose un porcentaje por ello. (En España: SGAE)

¿Copyright o Copyleft?Copyleft: algunos derechos reservados. Tú decides como distribuir tu obra de forma libre pero renuncias a generar ingresos por “derechos de autor”. La más común es Creative Commons, e implica que permites a otras personas copiar y distribuir tu trabajo, siempre que reconozcan explícitamente tu autoría. Puedes limitar (¡y cobrar, claro!) por el uso comercial y la creación de obras derivadas, eligiendo entre varios tipos de licencia.

3. Decide y distribuye el formato

Una vez finalizada la producción musical de tus canciones y elegido el formato en el que vas a agruparlas (single, EP, álbum…), tendrás que decidir si vas a distribuir el formato físico (CD) o solo el digital.

El formato físico será necesario para vender copias a conocidos y en los conciertos. Pero la idea romántica de estar en las tiendas cada vez requiere más esfuerzo y no es rentable sin el respaldo de una buena (y cara) campaña de promoción y una discográfica, management o distribuidora que la financie.

Si decides vender tu trabajo en formato digital, el objetivo principal será estar en Spotify, Itunes y otras tiendas cómo 7digital, Amazonmp3, Rhapsody. A continuación te mostramos algunas webs especializadas en distribución digital independiente:

Empresas de distribución digital de música (agregadores):
CD Baby (http://www.cdbaby.com/)
TuneCore (http://www.tunecore.com/)
iMusician (http://www.imusiciandigital.com/en/)

Consulta Aqui la lista completa de distribuidores digitales certificados por iTunes (por paises).

4. Sube tus canciones a todos los servicios de streaming

Bandcamp te permite vender tus cancionesActualmente existen infinidad de plataformas y redes musicales online orientadas a la promoción de artistas. Estas te permiten subir música, videos y fotos de forma gratuita, y llegar así a nuevos grupos de usuarios. Algunas de ellas también te ofrecen la posibilidad de vender tus canciones, facilitar la descarga sin coste alguno o permitir la descarga a cambio de una dirección electrónica. ¡Intenta estar en todas las que puedas!

Páginas donde puedes subir tus canciones online:
Algunas de las más importantes: Bandcamp, SoundCloud, Lastfm, Myspace, ReverbNation,goear, YouTube, Vimeo.
Especializadas en música copyleft: Free Music Archive, Jamendo, Musica Copyleft.

No olvides insertar links en cada una de las páginas apuntando hacia los sitios donde quieres canalizar a tus seguidores. Te aconsejamos que sean: las principales redes sociales y tu página web/blog.

5. Redes sociales: promociona tu música en Facebook y Twitter

En Facebook, crea una página para tu proyecto (no un perfil, ya que el perfil es personal) y genera contenido de forma regular con todo lo referente a noticias, conciertos, nuevos temas y cualquier aspecto relacionado con tu trayectoria.

Promoción musical en redes socialesHazlo de forma paulatina, ya que un bombardeo de información monotemática en poco tiempo puede provocar rechazo. También puedes crear una pestaña con tu música, utilizando las aplicaciones que ofrecen las siguientes webs:herzio, bandpage y reverbnation. Sobre todo, intenta ser original, tener paciencia y… ¡No hacer Spam!

En Twitter, mantén tu perfil actualizado y trata de combinar las noticias puramente promocionales con otras más informales y curiosidades de tu día a día. En Twitter, como en Facebook, el exceso de autopromocion se paga caro, pero es el sitio perfecto para que la gente se sienta cercana a tu proyecto.

Google+: La red social de Google cada día cuenta con más usuarios y te permite crear páginas de empresa o grupos musicales gestionadas desde tu perfil personal.

6. Crea tu propia página Web (o Blog)

Puedes empezar creando un blog gratuito en Blogspot o en WordPress.com, pero a la larga te interesará tener una página con tu dominio propio y centralizar allí todo el contenido que vayas creando. A continuación te aconsejamos las secciones más importantes para la web de un proyecto musical:

Secciones importantes para una web de un grupo o artista:
Blog: crea entradas regularmente con noticias que consideres importantes.
Fechas de conciertos: mantén informados a tus seguidores de todas las fechas.
Música: utiliza los widgets disponibles en las páginas de streaming para colgar tu música.
Videos: puedes usar los códigos “embed” de tus videos de youtube y vimeo en tu web.
Fotos: sube tus fotos directamente o a través de links desde webs específicas como Flickr.
Links: asegúrate de que los links a tus páginas (redes sociales, música, vídeo) están visibles.
Mail List: Informa de tus noticias, conciertos y videos mediante correo electrónico. También es útil ofrecer la suscripción a tu blog a través de RSS. Por si quieres comenzar a estudiar:mailchimp
Algunos servicios para crear webs gratuitas:
Wix.com: crea tu web en Flash.
Flavors.me: unifica el contenido de tus páginas en una web.
WordPress.com: publica tu página web/blog bajo un subdominio de worpress.com

Fuente: http://www.guitarrec.com/

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OCHO CONSEJOS PARA CUIDAR TUS OÍDOS

Las personas sufren pérdida de audición a una edad cada vez más temprana. Para que no seas una de ellas, dos especialistas te aconsejan cómo cuidar tus oídos sin comprometerlos.

1. Hágase una audiometría.
El riesgo de la pérdida de audición es que es un proceso lento que no presenta dolor. El problema es que es irreversible sin importar la edad, así que es mejor prevenir.

2. No abuse de los audífonos.
Si escucha música con auriculares y al retirarlos siente una especie de silbido, significa que los ha utilizado demasiado tiempo. Déjelos de usar al menos por media hora tres veces en el día para que los tímpanos puedan descansar.

3. Cuídese del viento.
Al manejar su carro, asegúrese de no tener la ventana totalmente abajo porque la fuerte circulación del aire puede producirle zumbidos que a la vez generan rasquiña e inflamación.

4. Aprenda a hablar por teléfono.
No presione el auricular contra la oreja porque puede causar adormecimiento. Si tiene conversaciones largas es mejor pasar el teléfono de una oreja a otra, así las manos no se cansan y no compromete su audición.

5. Sea cuidadoso en el agua.
Al sumergirse en el agua, hágalo lentamente, sobre todo en aguas profundas así evita que se almacene agua en el oído y provoque otitis.

6. Evite la exposición a ruidos fuertes.
exponer los oídos a sonidos intensos continuos o súbitos puede causar pérdida auditiva de carácter irreversible.

7. Utilice protectores auditivos.
El uso de protectores auditivos fabricados a medida, minimiza los efectos adversos que puede causar el ruido. Se recomienda también su uso en piscinas ya que disminuye el nivel de humedad provocado por el contacto con el agua lo cual puede generar una otitis.

8. No introducir ningún objeto en el oído.
No utilice aplicadores. Los oídos poseen un mecanismo de autolimpieza que elimina las partículas de cerumen que se forman en su interior.

FUENTE Y REDACCIÓN CROMOS.

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Compresión Multibanda

Compresión multibanda, úsala en tu técnica de producción

La mayoría de plug-ins convencionales realiza un procesamiento “en banda completa”. Compresores, limitadores, saturación, distorsión, chorus, reverb, lo que sea, la mayoría procesa todo el espectro en frecuencia por igual. Pero hay otro tipo de procesadores que van más allá, y ofrece un mayor grado de control,dividiendo la señal en distintas bandas de frecuencia y procesándolas por separado. Nos referimos a los efectos multibanda.

Por ejemplo, la compresión multibanda te permite dividir el sonido en dos o más rangos de frecuencia, cada uno de los cuales dispone después de sus propios ajustes de compresión. Podrías aplicar una fuerte compresión a los graves, y ser algo más suave con los medios y agudos, por ejemplo. Otro ejemplo clásico es la distorsión multibanda. Al aplicar distintos tipos de distorsión a cada banda, se logran interesantes texturas, que con distorsión ‘full band’ sería imposible obtener. En otras ocasiones, se necesita no afectar a ciertas frecuencias, y aplicar la distorsión sólo a la banda que responde bien al tipo de tratamiento aplicado. El procesamiento multibanda permite lograr todo esto, de forma sencilla.
Una vez comprendes cómo funcionan, este tipo de efectos es una maravilla, y cambia tu forma de abordar la mezcla. El lado negativo es que tanta potencia implica también una gran responsabilidad: si no ajustas de forma correcta este tipo de plug-ins, es muy fácil arruinar la señal. Sin embargo, usado con destreza, permite obtener resultados que no serían posibles de otra forma.

Por tanto, para ponerte al día de todo, aquí tienes esta mini-guía que te mostrará cómo extraerle el jugo a cada una de las bandas de frecuencia de tus mezclas…
Compresión multibanda: los fundamentos

Con seguridad, ya estás familiarizado con la compresión “de una banda” (es decir, la normal), y quizá has huido de la compresión multibanda porque tiene cierta reputación de ser complicada y avanzada. Sin embargo, quitando el hecho de que tiene varias bandas, funciona igual que la compresión “de banda completa”. Y además, ¡es muy flexible! En lugar de introducir todo en el mismo compresor, se controla la dinámica de sólo ciertas bandas en frecuencia.

¿Y por qué es útil? Imagina que tienes la grabación de una batería completa, un bucle, por ejemplo. No puedes acceder a cada elemento individual, así que tienes que comprimir todo el kit a la vez. Sin embargo, el bombo suena demasiado “boom”, y hace que el compresor sobreactúe, provocando un bombeo desagradable. Podrías usar un filtro en el sidechain para lograr que el compresor ignorase las frecuencias más graves, pero entonces el bombo seguiría sonando demasiado “boom”. Con compresión multibanda, arreglarlo es muy sencillo, ya que se pueden comprimir sólo las frecuencias graves, sin alterar el resto.

ReaXcomp(http://www.reaper.fm/reaplugs/) es un fabuloso compresor multibanda totalmente gratuito que forma parte del paquete Cockos Reaplug. No te impone límites en el número de bandas y su diversidad de controles por cada una hace que te preguntes si realmente estás usando un procesador gratuito. Si eres usuario de Mac, prueba C3 Multi Band Compressor o XFer Records OTT.

Casi todos los compresores multibanda te permiten ajustar las frecuencias de cruce de los filtros que se emplean para dividir la señal en las distintas bandas. Por ejemplo, un procesador de tres bandas, con las frecuencias de cruce en 100 y 800Hz, proporcionará estos tres rangos de acción: 1.Por debajo de 100Hz; 2. Entre 100 y 800Hz. 3. Por encima de 800Hz.

Ten en cuenta que los cruces son graduales, por lo que parte de una banda “entrará” en la otra. Algunos procesadores ofrecen distintos tipos de filtro, cada uno con sus pros y sus contras. Por ejemplo, los crossovers tipo analógico pueden causar distorsión de fase, mientras que los filtros de fase lineal son más transparentes, a costa de añadir latencia.

Sin embargo, mucho más importante que el tipo de filtro es ajustar de forma correcta los puntos de cruce, para no destruir la integridad del sonido. Si volvemos al ejemplo del bucle de batería, no suele tener mucho sentido colocar las frecuencias de cruce justo en medio de donde la caja tiene la mayoría de su presencia. Cada banda debería aislar ciertas cualidades; por ejemplo, la banda inferior el cuerpo del bombo, la siguiente el de la caja, etc.

Un buen truco consiste en dividir el espectro en tantas bandas como creas necesario, y después subir la ganancia de cada una y ajustar las frecuencias de cruce, hasta que te suene lo más natural posible. De nuevo en el ejemplo anterior, deberías ajustar el cruce de la banda inferior hasta que la ganancia de la banda parezca afectar sólo al cuerpo del bombo. En realidad, la división nunca será tan perfecta, pero hay que prestar atención a estos detalles. Un analizador de espectro tipo Voxengo SPAN puede ayudarte a localizar las frecuencias para los crossovers.

Y recuerda: el procesamiento multibanda no es una competición, ¡no tienes que usar todas las bandas disponibles! De hecho, cuantas menos uses, mejor. Hay todo un mundo de posibilidades, incluso con tan sólo dos bandas.

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Tutorial Masterización: Como Masterizar tus temas GRATIS con MasteringBOX (VÍDEO TUTO)

Hoy traemos este tutorial de masterización donde aprenderéis como masterizar un tema de forma gratuita con MasteringBOX, una aplicación de Mastering Online instantáneo.

El proceso es muy sencillo y rápido y lo explicamos paso a paso. Lo primero que tenéis que hacer es entrar en MasteringBOX, que está disponible en Español, y registrarse con la cuenta gratuita.

Una vez registrados solo hay que ir a la página principal y arrastrar una pista o hacer click para buscar en tu ordenador, la canción se subirá y se procesará automáticamente. En unos segundos podremos escuchar la versión previa, si queremos podemos cambiar los ajustes en la pestaña de “Ajustes”. En la cuenta gratuita se puede cambiar el volumen final deseado, con la cuenta Pro o ilimitado también se puede ajustar la ecualización, así como guardar los datos de la canción en las etiquetas ID3 (para MP3).

Esperamos que disfruités del vídeo y que sirva para masterizar nuestros temas de forma sencilla, rápida y económica.

Fuente: Productor Musical

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La Regla Platino De La Grabación

Fuente: Hector Jon, Audio Produccion.com

La regla dorada suena bastante bien, pero cuando se trata de tu estudio, es importante que sigas la regla platino de la grabación.

¿Cuál es la regla platino? Buena pregunta.

La regla platino te permite tomar decisiones y tomarlas rápidamente. Mucho tiempo puede ser gastado innecesariamente en tus sesiones simplemente si no sigues a esta sencilla regla.

Como se que tu tiempo es precioso, definitivamente tienes que tratar de sacarle el mejor provecho y utilizar esta regla constantemente.

La regla platino dice: “Después de cada parte que agregues/cambies, escucha. Si no amas lo que estás escuchando, cámbialo.”

Suena sencillo, verdad? El problema es que muchas veces tratamos de machucar este proceso, nos tardamos muy poco si no es que nada de tiempo en evaluar lo que estamos haciendo y realmente escuchar lo que estamos haciendo.

Y esto eventualmente puede hacerte perder tu tiempo. En algún punto vas a escuchar eso que grabaste con atención y probablemente no te vaya a gustar lo que escuchas. Tendrás que ir de vuelta a cambiar la grabación, o simplemente vivir con una grabación mediocre (la cuál a nadie nos gusta tener.)

Aquí te comparto un ejemplo de cuando puede llegar a funcionar esto.

Hace poco estaba trabajando en el estudio con unos artistas que querían un arreglo parecido a la canción de Riptide de Vance Joy. Estábamos rebotando ideas en cuanto a la sección rítmica ya que se quería un arreglo bastante minimalista. Tomé varios samples y construí un beat. El beat estaba bien pero me di cuenta que el artista sentía que algo le hacía falta. Volví a escuchar preguntándome a mi mismo si realmente me gustaba lo que estaba escuchando.

Sabía que el artista estaba conforme con el beat pero no realmente enamorado de el. Quizá y si no le hubiera dado la opción de cambiarlo hubiéramos seguido por esa misma ruta un poco mediocre, pero le dije que me diera un par de minutos para cambiar algunas cosas y listo. Realmente no tuve que cambiar mucho solo algunos patrones rítmicos. Una vez que escuchamos el beat de nuevo, al instante supimos que era por ahí. Era exactamente lo que la canción necesitaba.

A veces necesitas hacer algo varias veces para saber cuanto realmente lo quieres. Así que sigue la regla platino y haz mejores grabaciones ahora.

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“10 Necesidades Básicas Para Un Estudio De Grabación Casero”

Fuente:  Héctor M Jon, Audio Producción.com

Hola!

El día de hoy te vamos a compartir las “10 Necesidades Básicas Para Un Estudio De Grabación Casero” Para mi punto de vista son elementos muy básicos con los que hay que contar para llevar acabo grabaciones y sesiones en el estudio exitosamente.

Un punto muy importante a aclarar aquí es que el orden en el que están escritas estas ‘necesidades’, de ninguna manera representan algún orden de importancia. De hecho cada una de ellas es indispensable para que otra pueda funcionar correctamente.

Al final de cada te daremos nuestras recomendaciones las cuáles creemos son la mejor opción en cuanto a precio, calidad, y comentarios sobre una gran diversidad de usuarios. Cada recomendación viene ligada a una página de venta en Estados Unidos la cuál en nuestra experiencia tiene los mejores precios y formas de financiamiento en el mercado. Si tienes algún proveedor en tu país que sepas que tiene muy buenos precios, adelante!

Si acaso empiezas a ponerte un poco nervioso porque crees que necesitas tener todo, no te preocupes! No es necesario. Simplemente es un guía la cuál puedes ir completando poco a poco dependiendo de tu presupuesto y tus necesidades. Quizá solamente con dos elementos de esta lista puedas empezar a trabajar, así que determina los más importantes para ti.

Todos los conceptos de los que hablo aquí aplican para el usuario digital moderno que utiliza DAW (Software de grabación) en su estudio, así que es exactamente lo que estás buscando.

Esperamos te sirvan todos estos puntos como información, y como ayuda para seguir tu camino a lograr hacer mejor música! 

1. Todo Empieza Con Los Monitores

Los monitores son la parte más esencial de un estudio de grabación, ya sea casero o profesional. Estos son el medio principal por el cual vamos a escuchar la música y por los cuáles tomaremos las decisiones más críticas en una grabación, edición, mezcla o mastering.

¿Cómo sabemos cuáles monitores son los más adecuados para nosotros? Todo depende, el primer aspecto que nos pudiera restringir en obtener unos buenos monitores es el presupuesto que tengamos. Afortunadamente, si tenemos un presupuesto bajo, ya hay monitores allá afuera disponibles de buena calidad a

precios bastante accesibles. Si yo fuera el que tomara esa elección por ustedes, les recomendaría que si en algo tuvieran que invertir más dinero sea en los monitores de estudio.

Mi recomendación es que vayan a su tienda musical más cercana donde vendan monitores y le pidan al encargado escuchar todos los monitores que tengan disponibles, cualquier reseña que puedan leer en internet no basta para tomar una elección. Confíen en sus oídos y elijan el monitor que mejor suene para ustedes.

Mi recomendación:

• Costo Bajo: Yamaha HS5 o HS7

• Costo Medio: Dynaudio BM6A MKII ó KRK VXT 6 o 8

• Costo Alto: Adam Audio A77x, Barefoot MicroMain 45, Andy Munro Egg 150 

2. Tratamiento Acústico

El tratamiento acústico es uno de los aspectos menos valorados por los dueños de estudios de grabación de proyecto o caseros. Lo más alarmante de esto es que si no contamos con este tratamiento, aunque sea mínimo, nuestro cuarto nos va a engañar y escucharemos frecuencias que no están ahí. Los monitores en los cuáles invertimos una buena cantidad de dinero se desaprovechan porque el cuarto sin tratamiento hace que se desaproveche su máximo potencial.

La acústica es un monstruo por sí mismo y no entraremos a detalle aquí, ya que la finalidad de este libro es ser corto y conciso, lo que sí les podemos

decir es que denle muchísima importancia a este aspecto. Si lo toman en vano esta puede ser la diferencia entre obtener grabaciones y mezclas profesionales a unas que suenen amateurs.

Afortunadamente el tiempo ha permitido que crezcan compañías dedicadas a tratamiento acústico con precios bastante accesibles como Auralex, IsoAcoustics, ó Primacoustics. Todas estas compañías tienen productos disponibles que pueden hacer que nuestro estudio incremente su calidad y suene mucho mejor.

Mi recomendación:

• Auralex MoPADS para poner monitores encima

• Auralex Roominators D36

• Auralex Alpha DST Roominators Kit 

3. Buena Computadora

La posibilidad de que vayas a trabajar en tu estudio con una computadora ahora en día es gigante. De hecho mayoría de los estudios caseros de ahora dependen de una computadora para su funcionalidad. Me imagino que ya sabrás el porque de la importancia de tener una buena computadora confiable en tu estudio.

A contrario de lo que muchos estarán pensando, la marca de la computadora no tiene mucha importancia, aquí aplica muy bien el dicho “Lo que importa es lo de adentro y no lo de afuera”. Pueden tener una computadora que sea vea estéticamente muy bien, pero que su funcionalidad no llegue a la altura que se

necesita. Personalmente somos fanáticos de todos los productos de la grandiosa manzanita “Apple”, pero también sabemos que son computadoras que te pueden llevar a una deuda de muchos años. Sí, las “Macs” son extremadamente confiables y de excelente calidad, pero esto no significa que las PC’s no lo sean.

Hay muchas marcas de PC’s que también son de muy buena calidad como Dell, HP, Allienware, etc. La última es una excelente opción porque se utiliza mucho para el mundo del “Gaming” y generalmente estas computadoras tienen una rapidez tremenda. Otra opción que pueden considerar si se inclinan más por una PC es construir una hecha a su medida. Hay muchas compañías que se dedican a hacer Computadoras a la medida para el cliente (*EXCELENTE OPCION)

¿Cuáles son los aspectos esenciales en los que te tienes que fijar para adquirir una computadora?

1. RAM - ( Este es el que va a permitir que tu computadora trabaje con mayor o menor rapidez) (Se maneja en Gigabytes el más bajo siendo 2gb hasta 32gb, entre más grande el numero más rápida será la funcionalidad)

2. Procesador - Este es el que lleva acabo todas instrucciones en la computadora. Entre más rápido sea mejor será la funcionalidad de la computadora. Una recomendación es el intel Quad Core i7

3. Disco Duro - Como ya sabrán el disco duro también es parte importante en la elección de una computadora. Este es el que determina el espacio de datos que podemos guardar en ella. Gracias a la tecnología ahora en día las capacidades de un disco duro son enormes, mi recomendación para ustedes es que adquieran un disco duro que tenga no menos de 1TB. Las sesiones de grabación a veces pueden ser pesadas, así que tener mucho espacio siempre es muy bueno.

4. Tarjeta De Video - Esta es muy importante si van a estar trabajando con audio y video a la vez. Si no tienen una buena tarjeta de video sus sesiones pueden verse interrumpidas por errores y por una baja calidad de respuesta.

5. Lo extra- Todo lo demás es extra. El tamaño del monitor, el teclado, ratón, etc..son elementos que pueden variar en el gusto para cada individuo.

4. El Software De Grabación

Una vez que ya tenemos los 3 aspectos anteriores cubiertos, ahora tenemos que pensar en el programa el cual vamos a utilizar para grabar. A estos softwares en ingles se les llama DAW (Digital Audio Workstation). Ahora en día hay muchísimos programas disponibles para la grabación, edición, y mezcla de audio, pero hay algunos que se destacan más que otros.

El software más popular de todos que es utilizado en la gran mayoría de los estudios profesionales es Pro Tools. Para

mi punto de vista después le sigue Logic de Apple, Ableton, Cubase, Digital Performer, entre otros. Al final de este punto les daré mi recomendación acerca de cuál creo que se acomoda mejor para diferentes usos, pero antes de eso quiero aclararles que realmente no importa que software de grabación utilicen ya que estos no cambian en lo absoluto el sonido de las grabaciones, simplemente son herramientas para llevarlas acabo. A final de cuentas el mejor programa termina siendo el que nos hace sentir más cómodos trabajando.

Recomendaciones:

Pro Tools - El mejor para la edición, grabación, y mezcla de audio ya que sus herramientas y funciones están hechas para ser amigables y sencillas para el usuario logrando resultados inmediatos. La advertencia es que el precio puede llegar a ser muy alto

Logic - Excelente para los compositores modernos que utilizan muchos instrumentos virtuales y les gusta trabajar mayor parte del tiempo con MIDI. Además su precio inicial es bastante accesible.

Ableton - El ideal para los que trabajan como DJ’s y les gusta trabajar con música electrónica! Su función de Loops es una herramienta que ningún otro programa la tiene. Además la experiencia del usuario siempre tiende a ser bastante sencilla y sin muchas complicaciones.

Digital Performer - La gente que lo usa tiende a tener muy buenos comentarios acerca de el programa cuando se utiliza en composición para video. Tiene funciones bastante específicas lo cuál lo hacen uno de los mejores candidatos para esta labor. Lo negativo aquí es que no es muy amigable para el usuario inicial ya que sus funciones son confusas, y la manipulación de audio se vuelve muy complicada.

Garageband - Este programa viene GRATIS con la compra de tu computadora Mac. Es un excelente programa para principiantes. Tiene la misma interfaz que Logic Pro, lo único es que tiene muchísimas más limitantes. Lo recomiendo ampliamente para los que van iniciando en la composición y grabación.

Para mi punto de vista estos son los programas más importantes allá afuera así que no busquen demás porque aquí encontrarán el adecuado para su necesidades.

5.La Interfaz De Audio

La interfaz de audio es el dispositivo que nos permite hacer la conexión entre el instrumento que vamos a grabar, los monitores donde vamos a escuchar y la computadora. Sin este elemento clave realmente no podemos trabajar con equipo de alta calidad. Todas las interfaces de audio tienen un tipo de medio de conexión hacia la computadora, las más modernas se conectan a través de Thunderbolt que le permiten ser mucho más rápidas a la hora de transferir los datos, y después le siguen

interfaces que se conectan a través de FireWire 400 y hay hasta interfaces que se conectan por medio de USB 2.0 y 3.0

Todas estas interfaces tienen pre-amplificadores que son los cuáles capturan la señal análoga y después por medio de convertidores, convierten la señal grabada a forma digital. Dependiendo de la calidad de nuestra interfaz, los pre-amplificadores serán mejores o peores.

Mis recomendaciones de interfase:

Costo Bajo:

• Focusrite Scarlett 2i4

• Focusrite Saffire PRO 14 Costo Medio:

• Foscusrite Saffire PRO 40

• PreSonus Firestudio Project, Costo Alto:

• Universal Audio Apollo DUO o QUAD

• Apogee Ensemble Thunderbolt

• Antelope Audio Zen Studio

6. Micrófonos

Bueno, ya tenemos nuestra computadora y nuestra interfaz lista, ahora necesitamos algo que capture esa señal para que llegue a nuestra computadora. Aquí es donde llegan a salvarnos los micrófonos.

Si tienes un poco de conocimiento en el audio que me imagino que si, sabrás que hay 3 diferentes tipos de micrófonos; los condensadores, los dinámicos, y los de listón. Cuál tipo es el mejor? Mi respuesta es TODOS. Obviamente cada uno de estos tipos tiene sus

características y sus usos ideales, pero para mi punto de vista uno tiene que trabajar con lo que le alcanza y lo que tiene. El hecho de que digan que un condensador es el ideal para una vocal, no significa que uno de listón o uno dinámico no puede hacer un excelente trabajo también.

Así como las interfaces, los micrófonos también varían en calidad. Nos podemos encontrar en el mercado micrófonos que cuestan $50 USD y nos podemos encontrar micrófonos que cuesten arriba de $10,000 USD!

Ahora, tienen que tener mucho ojo y mucho cuidado aquí en no caer en las trampas de pensar que necesitamos ese micrófono tan caro para obtener buenos resultados. Les prometo 100% que si conocen y saben aprovechar su micrófono como se debe, obtendrán el mejor sonido posible. Obviamente, el micrófono más costoso tendrá un sonido superior al que está más barato, es lógico, pero no significa que no puedan obtener buenos resultados con el micrófono de menor calidad.

El nombre de este juego se llama aprovecha al máximo lo que tienes y no te distraigas soñando de día con lo que podrías tener, en vez de estar haciendo mejor música con lo que ya tienes.

Aquí te van mis recomendaciones en las diferentes variaciones de micrófonos. Da click en los nombres para ir directo a la página donde encontrarás los precios, reseñas, y más!

Dinámicos

• Shure SM57

• Shure SM58

• Shure SM7B

• Electro Voice RE20

• Sennheiser 421

• Sennheiser 441

Condensadores

• Audio Technica AT2035

• Studio Projects B1 /

• Rode NT1A

• Blue-Bluebird

• sE Electronics 2200a

• AKG C214

• Avantone CV-12

Listón

• Royer 121

• Avantone CR-14

• Audio Technica 4081

• AEA R84

• Royer 101

• Royer SF12

• Beyerdynamic M160

Estas son solo algunas de las opciones más accesibles para los usuarios que apenas inician. Cabe recalcar que todos los micrófonos mencionados aquí son de EXCELENTE calidad.

7. Audífonos

Los audífonos son un componente invaluable en tu estudio de grabación. El uso más común que debes de tener con tus audífonos es en el día a día cuando vas al gimnasio y escuchas música, en el tren camino al trabajo, etc. Pero además de estos audífonos generalmente de uso comercial, tenemos unos que son hechos exclusivamente para el estudio de grabación.

La gran mayoría de los estudios de grabación caseros no tienen una división entre el cuarto de control y el cuarto de grabación como en un estudio profesional. Esto nos limita a tener que grabar forzosamente con audífonos puestos, si no la señal de reproducción en los

monitores se metería fácilmente al micrófono capturando la señal del instrumento. A estos audífonos se les llaman “audífonos completamente cerrados”. ¿A que se refiere esto? Se refiere a que los audífonos están hechos de tal manera que el sonido que producen salga lo menos posible fuera de los audífonos para que el micrófono no escuche esa señal.

Hay otras situaciones en las que aplican otro cierto tipo de audífonos. Si tienes un estudio en tu casa o en tu cuarto cómo muchos otros, sabrás que el hacer ruido con tus bocinas a todo volumen en la noche es el detonador para que te pateen el trasero y te saquen de tu casa! ¿Cómo le hacemos si necesitamos mezclar o masterizar una canción a altas horas de la noche? Gracias a el Señor misericordioso existen los audífonos semi-abiertos o abiertos. Estos audífonos están abiertos del lado opuesto de donde escuchamos la señal. ¿Para qué sirve esto? Esta apertura permite que el aire de las frecuencias reproducidas fluya con mucha más libertad, dando así una representación mucho más detallada de las frecuencias bajas, cosa que los audífonos completamente cerrados no lo pueden hacer correctamente.

Ahora mucho OJO aquí. La recomendación siempre será que utilicen sus monitores para mezclar siempre que puedan. Los audífonos son muy problemáticos al mezclar porque no nos proveen de la misma representación estéreo que los monitores, aunque su ventaja es que remueven el sonido del cuarto totalmente de la ecuación. Esto tampoco significa que con audífonos no puedan obtener buenas mezclas, por supuesto que se puede, pero solo se los recomendamos si es absolutamente necesario hacerlo.

Recomendaciones:

• Beyerdynamic DT770 PRO Reference Studio (Audífonos Cerrados)

• Sennheiser HD 380 PRO (Audífonos Cerrados)

• Sennheiser HD650 (Audífonos Abiertos) 

8. Cables / Accesorios

Los cables en un estudio de grabación, ósea los que nos permiten conectar nuestros instrumentos a la interfaz, los que nos permiten conectar los monitores a nuestra interfaz, o periferia análoga a nuestra interfaz, son uno de los elementos menos tomados en cuenta por los dueños de estudios de grabación caseros!

Amigos, lamentamos decirles que la calidad de los cables de audio que tienen en su estudio SI repercuten al sonido de su señal!

Para empezar no hay nada como tener un cable barato en el estudio y tener que estarle ajustando la punta para que se escuche bien y si ruidos. Que molesto es esto! Les ha pasado?

Bueno pues de ahí viene bien el dicho “Lo barato sale caro”. Desafortunadamente para la gente que vivimos en Latinoamérica, la gran variedad de cables de buena calidad que ofrecen nuestros amigos en Estados Unidos no es tan fácil de conseguir por estos rumbos.

Si tienes la oportunidad de ir a Estados Unidos en algún punto, te recomendamos te tomes el tiempo de comprar cables por allá a menos de que estés seguro que los cables que adquirirás en otro lado sean de muy buena calidad.

Quiero tomarme el tiempo también de hablar un poco sobre los accesorios necesarios que es importante tener en el estudio.

• Stands Para Micrófonos

• Pop Filter (ideal para grabar vocales y que no suenen tan abruptas las eses o consonantes)

• Cuaderno de notas

• Percusiones (Shakers, Panderos, Claves, etc..)

• Discos Duros Externos

• CD’s En Blanco

9. Controlador MIDI

El controlador MIDI funciona básicamente como se escucha. Controla los datos MIDI que se guardan en la computadora. Estos controladores vienen representados en forma de teclado, ósea parece como si fuera un piano. La gran diferencia de estos controladores a un piano o un piano digital es que estos no reproducen ningún tipo de sonido a menos que sea activado por un instrumento virtual en la computadora.

Ahora, sabemos que no todos ustedes saben tocar el piano, pero en algún momento u otro van a querer hacerlo o bien programar ciertos otros instrumentos por lo que necesitarán este controlador.

¿Que és MIDI?

MIDI es un lenguaje de comunicación. Es un lenguaje digital creado para comunicar ciertos dispositivos con otros.

En este caso les vamos a explicar con un ejemplo como funciona el MIDI en relación a las grabaciones.

Digamos que nosotros queremos tener un piano en nuestra siguiente canción. Ya tenemos nuestro controlador MIDI, ahora como logramos escuchar ese sonido de piano que queremos? Aquí entran los famosos instrumentos virtuales. Los instrumentos virtuales son ‘plug ins’ que vienen cargados con series de sonidos detallados para que puedan ser ejecutados mediante la computadora o el controlador en este caso.

Cuando ya tenemos el sonido cargado y grabamos una parte de la canción. El MIDI simplemente lo que grabó fue la información adecuada de las notas, la duración, y el ritmo de ellas. Esa información siempre estará ahí aún y cuando cambien de sonido, por ejemplo de un piano a un órgano. Lo que va a suceder aquí es que van a escuchar la misma ejecución que hicieron en el piano, pero ahora lo escucharán con el sonido de un órgano. Esta es la maravilla de MIDI! Ahora, nos dirán, ¿Realmente necesitamos un Controlador? Si, y no. Dependiendo de lo que hagan y su forma de trabajo. Como les decíamos, no necesitan tener cada uno de estos aspectos, pero sin duda al tenerlos su trabajo será mucho más rápido y eficiente.

Recomendaciones:

• M-Audio Keystation 49

• M-Audio Keystation 88

• M-Audio Keystation 61

10. Ganas De Salir Adelante

Este último aspecto aquí es uno de los MAS MAS importantes! Cuando apenas inicien con sus estudios de grabación, les advierto que el trabajo va a ser bastante flaco y lento. No se alarmen! Esto es parte de el proceso de un estudio de grabación y de ustedes como Ingenieros/Productores etc. Mientras más trabajo vayan haciendo y más hagan su esfuerzo por darse a conocer, de repente se darán cuenta como han crecido ustedes y su trabajo.

Siempre recuerden cuando tengan tiempos de desánimo y desesperación, porque los habrá, que nada puede mermar nuestras ganas de salir adelante y de triunfar en esto que amamos que es la música, en esto que para nosotros no es un trabajo sino un placer hacer todos lo días.

Mantengan la frente en alto, enfrenten los problemas con valentía y saldrán adelante con mucho mucho éxito.



Fuente escrita Por:  Héctor M Jon Audio Producción.com

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Nueva gama de colores para el controlador DDJ-SB de Pioneer (Video)

Nueva gama de colores para el controlador DDJ-SB de Pioneer
Pioneer saca a la venta el controlador DDJ-SB con 3 colores nuevos a elegir, rojo, azul y plateado.



DDJ-SB es uno de lo controladores DJ de Pioneer, ahora renovado por la nueva edición que acaba de salir, con 3 colores nuevos para elegir. Los nuevos colores son rojo, plateado y azul, y la nueva pintura de estos modelos tienen un acabado perlado brillante, y un tacto suave y pulido. Estos nuevos modelos son exactamente iguales a su primera versión tanto en circuitería interna como en funciones, únicamente cambia el color.

No es la primera vez que Pioneer saca una nueva gama de colores para un producto que ya existía, lo ha hecho con auriculares, mixers, reproductores, controladores…

DDJ-SB es uno de los controladores para DJ de Pioneer más básicos, su precio es de 225€, uno de los precios más baratos comparado con otros controladores de Pioneer. Los nuevos controladores de distinto color cuestan exactamente lo mismo.

DDJ-SB incluye el software Serato DJ Intro, si quieres actualizarlo a Serato DJ es necesario el pago de la licencia. Para más información puedes visitar la página oficial de Pioneer donde encontrarás este producto y otros más.

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DIEZ TRUCOS MAGISTRALES PARA PRODUCIR MÚSICA ELECTRÓNICA.

A veces, la producción musical puede ser un camino duro, y eso sin tener en cuenta el temido bloqueo de ideas. Dale un descanso a tu DAW y descubre estos consejos y trucos de producción revelados por diez estrellas…


La producción musical es un proceso de aprendizaje y práctica que nunca se termina. Siempre hay nuevos trucos que probar, herramientas innovadoras por conocer y nuevas formas de acercarse al arte de crear música. Mientras que una reacción habitual es la frustración, si indagas un poco más, descubrirás un excitante mundo de posibilidades, donde no hay un único camino para hacer las cosas -tienes todas las puertas abiertas.


A pesar de la inmensa cantidad de ayudas disponibles para aprender -como los tutoriales online, incluidos los de este canal de Mode Audio– parece ser que una exploración de los modos de trabajo de otros productores puede tener un impacto directo sobre cómo haces tu música. Y es justo por esa razón, que nos encanta volver a ver entrevistas de nuestros productores favoritos, donde siempre hallamos algún consejo, truco o idea que jamás se había pasado por nuestras cabezas. Y no digamos ya cuando somos nosotros los que hacemos esos “tú a tú”…


Hoy, nos gustaría compartir contigo estas diez perlas de sabiduría en la producción musical, extraídas de una serie de entrevistas en vídeo con algunos de los mejores productores musicales de todo el espectro de la música electrónica. Los consejos compartidos abarcan desde lo más práctico y directo a lo más filosófico, unas áreas que consideramos increíblemente importantes para fomentar el desarrollo de las técnicas personales de producción musical.


Así que, tanto si estás creando tu hueco dentro del universo de la música dance, como si quieres plasmar todo tu potencial en Hip Hop, esperamos que encuentres un montón de inspiración a continuación… ¡Sumérgete en el contenido y disfruta! 

1 → Four Tet: Ecualiza con mucho cariño

En el recurso arriba enlazado de Pro Tools sobre dos temas extraídos de su álbumThere Is Love In You, Four Tet explica cómo imprime su sello personal, con un sonido cálido y orgánico. Desafiando los convencionalismos de que plugins y hardwareanalógico son el camino a seguir para lograr ese sonido, Four Tet nos revela con total tranquilidad que se asegura de no ecualizar demasiado sus pistas individuales.


Por supuesto, dependerá de los sonidos y samples con los que estés trabajando y las frecuencias que deseas realzar o atenuar en ellos, ¡pero ser cuidadoso con lo que quitas a tus sonidos es un consejo que bien merece la pena!

2 → RJD2: Riqueza para tus baterías haciendo “Copiar y Pegar”

El productor de Hip Hop RJD2 comparte su mejor consejo para crear un bombo con pegada en el vídeo enlazado. Su técnica viene a ser algo así: encuentra un sample que quieras utilizar como tu bombo principal, cópialo, bájale el tono, aplica un filtro paso-bajo, estruja la resonancia, y vuélvelo a mezclar con el sonido original… ¡La sencillez personificada!


El truco de RJD2 obra maravillas al añadir riqueza y grosor a su sonido en minutos. Asegúrate también de probarlo en otros sonidos de batería, desde cajas y palmadas hasta en platillos y timbales.

3 → Kirk Degiorgio: Procesamiento sutil para un gran impacto

Kirk Degiorgio, una leyenda de la música dance UK, es un peso pesado en el mundo de la producción musical. En el vídeo enlazado, Kirk nos demuestra con una de sus pistas cuán efectivo puede llegar a ser la aplicación de un procesamiento sutil. En este caso, comprimiendo una pista de batería.


Un error fácil como productor principiante es asumir que una cadena de procesamiento con muchos plugins te conducirá automáticamente a que todo suene mejor. Kirk Degiorgio nos muestra en el vídeo que aplicar sólo 1 ó 2dB en la reducción de ganancia, puede tener un gran impacto en la sensación y energía que transmite esa pista. ¡Menudo genio!

4 → Kode9: Empieza con algo simple

A menudo, emprender un nuevo tema puede convertirse en el momento más frustrante de ese viaje que es la producción musical. En esta charla de Ableton, el dueño y señor del sello Hyperdub y productor experimentado Kode9, revela su truco favorito en el momento de enfrentarse al terrible bloqueo inicial de una “hoja en blanco”…


Su consejo es que empecemos con un sample y construyamos nuestro tema alrededor del mismo. ¡Jamás habíamos recibido un consejo tan simple y efectivo!

5 → Carl Craig: Presta atención a tu subgrave

Asegurarte de que el sonido de tu bombo tiene una buena pegada alrededor de 100-120Hz parece esencial al crear una pista satisfactoria de batería. Sin embargo, la leyenda de Techno Detroit, Carl Craig, nos recuerda en la vídeo-entrevista enlazada quelos subgraves son a menudo lo que realmente importa, tanto en tus producciones como en los clubes.


Coge un ecualizador y aplica un leve realce a tu bombo (o ‘foot’ -pie-, como lo denomina Carl) en cualquier zona de 60 a 100Hz, para así destacar ese boom que hará maravillas en tu tema -ojo, que asegurarse de realzar la frecuencia correcta es aquí algo vital. Echa un vistazo a nuestro tutorial sobre cómo encontrar la frecuencia fundamental en un bombo para profundizar más en esta técnica.

6 → J Dilla: Produce cuando estés inspirado

Para muchos críticos y entusiastas, J Dilla sigue siendo el rey de la producción Hip Hop, y su música continúa inspirando y educando por años desde que el productor muriese de forma prematura. En esta insólita entrevista en vídeo, se dedica a analizar una amplia gama de temas con un contagioso entusiasmo, así como sus motivaciones para crear música.


La entrevista está sazonada con palabras inspiradoras para productores, pero nuestras favoritas son, una vez más, sorprendentemente sencillas -no fuerces tus creaciones y produce cuando estés inspirado. ¡Larga vida a la influencia de J Dilla!

7 → Robert Henke: Tus limitaciones te harán libre

La célebre leyenda del dub techno Robert Henke, es tan conocida por la co-creación de Ableton Live como por su excelente música. Como muchos de los productores reunidos en este listado, casi todas sus entrevistas son desbordantes en buenos consejos para creadores musicales de todo tipo, pero en el vídeo enlazado, Henke comparte un truco que consideramos especialmente útil –limitarte en tu estudio.


Si alguna vez te encuentras en la desesperante situación de no estar contento con un tema y empiezas a acumular capas y capas de sonidos en la mezcla, con la esperanza de que las cosas mejoren, ¡este consejo es para ti! Empieza con un número reducido de elementos y añade más sólo si es necesario. Recuérdalo, ¡porque no tiene precio!

8 → Madlib: Toda la música es una fuente de inspiración

Puedes pasarte todo el día viendo prácticos trucos de producción, diseño sonoro y mezcla, y jamás acercarte al nivel de conocimiento impartido por Madlib en la entrevista que enlazamos. Su muy amado sonido Hip Hop es una mezcla ecléctica y sin complejos de todo tipo de “sabores” musicales, tomando prestados samples e ideas de casi cualquier genero musical bajo el sol.


Al hablar de los tipos de música que es capaz de desarrollar en un espectáculo en directo, Madlib comparte algo que toda la gente creativa podría tomar como base de inspiración. Saca tus influencias de todas partes. Mientras que los géneros Heavy Metal y Jazz pueden parecer totalmente incompatibles en una primera escucha, dándole un correcto tratamiento a su combinación, las guitarras distorsionadas llegan a convivir felizmente con las baterías de escobilla. La música de Madlib nos demuestra que su filosofía de producción puede ser profundamente fructífera.

9 → Gold Panda: No te compliques en tus arreglos

Un consejo excelente para aquellos que se pelean con el acabado de sus temas (¡estamos con vosotros, amigos!): el productor inglés Gold Panda nos habla sobre un refrescante y enérgico enfoque para organizar nuestros arreglos musicales. En lugar de pasar horas retocando cada nodo de cada curva de automatización, Gold Panda te sugiere que sigas tus instintos y apuestes a probar arreglos y estructuras conocidas de cuyo funcionamiento estás totalmente seguro.


Si bien creemos que hay un tiempo y un momento para hacer ajustes hasta la perfección, puedes considerar tu tema como una sucesión de loops y secuencias que, en la mayoría de ocasiones, te conducirá a una producción casi acabada. De repente, tendrás más tiempo para tu siguiente tema – ¡gracias Gold Panda!

10 → Flying Lotus: ¡Abraza el caos!

La elección final es un consejo de uno de nuestros productores favoritos de todos los tiempos, Flying Lotus. El prolífico trabajo de este productor ha tomado referencias de Hip Hop, Jazz, Chiptune, Beats e incluso Rock Progresivo, por lo que seguro que sabe una o dos cosas sobre cómo acabar un trabajo.


En la entrevista enlazada, FlyLo revela que sus sesiones de Ableton son a menudo un caos y que su meta es terminar la canción y no crear proyectos claros y ordenados.Hallar el modo de trabajo correcto para ti, es lo que importa por encima de todo.


Si encuentras que te pasas más tiempo coloreando regiones de clips en lugar de hacer música, entonces esperamos que las palabras de Flying Lotus abran rápidamente tu mente. Así que ahí lo tienes al fin, el permiso para ser caótico (¡pero no se lo digas a tus padres!).


Una exploración de los modos de trabajo de otros productores puede tener un impacto directo sobre cómo haces tu música…


¡Esto sólo es un aperitivo!


Todas las entrevistas y tutoriales de producción que hemos enlazado, merecen ser visionadas en su totalidad -por descontado, este artículo sería muchísimo más largo si hubiésemos extraído cada uno de los fabulosos consejos contenidos en ellas. Los diez consejos de producción que hemos elegido están aquí por su gran influencia en nuestro estilo de trabajo, pero es cierto que aún hay muchas joyas ocultas en esos documentos que iluminarán tu mente.


No hace falta decir que otros canales de YouTube y las entrevistas que publicamos en FutureMusic.es son excelentes recursos donde encontrar este tipo de sabios consejos, ¡así que sigue indagando y disfrutando de la recompensa de tu atención y conocimiento!


Este contenido se publica mediante licencia expresa del autor. El texto original escrito en inglés “10 Tips From The Pros” está disponible en el blog Magazine de Mode Audio.

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